Blog creado por estudiantes de 3º de Educación Primaria de la Universidad Católica San Antonio (Murcia), para la asignatura Enseñanza y Aprendizaje de la Expresión Plástica y Visual
En la última sesión de E-A Plástica y Visual, del día viernes 27 de abril, expusieron los grupos 6 y 7 sus respectivos temas.
El grupo 6 expuso su tema correspondiente "Procesos experimentales y técnicas plásticas".
La esposición ha empezado con un power point resumen del libro "El arte como experiencia" de J. Dewey.
Dewey relaciona los movimientos artísticos
con la vida cotidiana y la sensibilidad de las personas. Su concepción estética nos
devuelve a lo que en su día fue la más importante apuesta de la estética desde la
Ilustración: es decir, a la organización de un entramado conceptual que nos permite
concebir las experiencias estéticas como manifestaciones de nuestro potencial
para desarrollar una vida más digna e inteligente.
A continueación cada uno de los miembros del grupo ha presentado su articulo complementario, relacionado con el tema principal "procesos y técnicas plásticas"
Patricia Martínez-Lozano: El arte de los niños.La interpretacion del dibujo.
Jose Ignacio García: Arte y juego.
Marta Lorente: Simbolización, expresión y creatividad: tres propositos sobre la necesidad de desarrollar la expresión plástica en infantil.
Ana María Martinez: ¿Como hablar de arte a los niños?.
Jose Angel Palomares: La estética como experiencia sensible.
María Rubio: Tres posibles sentidos del arte en la escuela.
José Moya: Jugando nos expresamos.
María Jesús Muñoz: Valores culturales y arquetipos en niños de una comunidad multicultural en Luxemburgo.
Este artista es reconocido y admirado por todos como Escher sobre todo en la cultura popular del siglo XX nació en Frisia en 1898, una de las doce provincias que conforman los Países Bajos. Escher era un pésimo estudiante pero destacó en dibujo, y se lanzó al mundo del arte aunque su padre le incitara a la arquitectura.
Las obras de Escher (1898-1972) se extienden por tres campos que implican tres temas matemáticos: la estructura del espacio, la estructura de la superficie y la proyección del espacio tridimensional en el plano. A lo largo de su carrera se dice que realizó más de 400 litografías y grabados de madera, y también unos 2000 dibujos y borradores.
En cuanto a su trabajo se ha considerado como el arte de lo imposible, figuras imposibles y mundos imaginarios, el cruce maravilloso entre el arte y el hechizo de la matemática... siendo para él su trabajo un juego, juegos serios, este artista fue, es y seguirá siendo reconocido por todos por su gran talento.
Además, él mismo reconocía que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicología, sino las cosas que pasaban por su cabeza.
En cierto modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difícil, que prefería crear su propio universo.
Los objetivos que Escher se plantea son los siguientes:
- Cubrir la superficie usando polígonos regulares. - Diseñar polígonos teselables y cubrir la hoja. - Inventar formas figurativas que encajen en figuras geométricas.
CURIOSIDADES
Como curiosidades de Escher diré que viajó a diversos países mencionando a España, donde en una de sus visitas (Cartagena), sufrió un malentendido al ser considerado espía por su costumbre de fotografiar los paisajes urbanos (murallas de la ciudad). Lógicamente este error fue aclarado pero sorprendentemente no pudo recuperar los dibujos que le confiscaron, así como otro aspecto relevante es que al decidir irse de crucero para dejar brillar su imaginación pagó su entrada con dibujos, aceptando los encargados del barco al observar su maravilloso talento. Escher el hombre que todo lo asombraba tocó con su imaginación y sus creaciones las repeticiones rítmicas de los patrones y de las metamorfosis. Combinó figuras geométricas, hizo miles de rotaciones, recreó paradojas de escaleras que suben y bajan al mismo tiempo...
Por otro lado, la pieza más conocida de Escher se llama: “La mano con reflejo de Esfera” (1935)
Escher ha elegido representar una esfera de su reflexión, creando formas interesantes, curvas y líneas.
Las marcas delicadas y finas crean la textura y a la vez su exactitud, pero es el fondo liso el que da un sentimiento de desconfianza.
La luz, que parece provenir de la ventana de detrás donde Escher se sienta, pone de relieve a cada mueble y objeto de la habitación, proyectando una sombra sobre el rostro de Escher, establecimiento a la vez profundidad.
El artista lleva al espectador a creer en la realidad de la esfera, este gesto simbólico significa el control de ambos mundos - la realidad y la reflexión - y obliga al espectador a ser capturado en la imagen que crea.
Así como también se puede observar como ejemplo, uno de sus dibujos en el que aparece un lagarto sometido a un proceso de reducción hasta hacerse infinitamente pequeño en el centro de la imagen, donde grabó con ayuda de una lupa lagartos de medio milímetro de longitud situándose los más pequeños en el borde del círculo.
Mencionando su último dibujo, ya que es un claro ejemplo de realización de fractales que ha empleado, siendo una serie de dibujos que no son invención de nadie y están esperando a que alguien dé con su fórmula, sin embargo, él las sacó sin la necesidad de las mismas.
Por eso considero oportuno destacar la gran variedad de trabajos curiosos e intrigantes que no todo el mundo realiza y que sería relevante interesarse por artista como éste.
Nació en 1904, es español y fue un pintor considerado como
uno de los máximos representantes del surrealismo.
La persistencia de la memoria:
La
persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes
blandos fue pintado en 1931 y se encuentra en el museo de Arte de New York.
Está
hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo
surrealista, sus medidas son 24x33 cm.
Dalí
se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al
cuadro. Los relojes, como la memoria se ha reblandecido por el paso
del tiempo.
LUZ:
El
cuadro está dividido en dos partes no simétricas una tenebrista en
primer término con un foco de luz a la derecha que ilumina
suavemente los objetos y
la otra fuertemente iluminada al fondo con una luz muy blanca y real.
COLOR:
Predominan
los términos fríos que contrastan con los blandos.
COMPOSICIÓN:
Domina
la linea horizontal del mar al fondo remarcada por la luz que divide
el cuadro en dos mitades desiguales pero armoniosos se complementa
con la horizontal de la rama seca del árbol que con su tronco marca
la izquierda una vertical que equilibra la composición.
Como
elementos dinámicos el pintor utiliza las curvas y las lineas diagonales.
Sueño
causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo
antes de despertar:
Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo,
es de estilo surrealista y sus medidas son 51 x 41 cm. Se conserva en
Madrid, en el Museo Thyssen (Tisen)
Dalí, siguiendo las
teorías de Freud, quiso representar en el cuadro el hecho de que a
veces, se introducen en el sueño estímulos derivados de
acontecimientos exteriores que son integrados en él.
Cuando Gala la mujer de Dalí le explica el sueño que
ha tenido sobre unas imágenes relacionadas con el vuelo de una abeja
en torno a una granada, inspira a Dalí a crear el cuadro.
El momento
preciso pintado por Dalí es el de un segundo antes de que Gala se
despierte. El
sueño de Gala, es perturbado por una zumbante abeja, que amenaza con
picarle, representado por el fusil. El elefante nos indica que se
trata de un sueño.
El pez
expulsado por la granada es un cabracho, un tipo de pez que se
encuentra en el mar
Mediterráneo.
el cabracho controla con sus grandes ojos todo lo que sucede a su
alrededor.
En la parte central del cuadro, dos tigres agresivos
están apunto de atacar a Gala. Estos representan el zumbido de la
abeja. La palidez de Gala contrasta con la violencia de los felinos.
Muy cerca de
la figura de Gala, se halla la pequeña granada, su sombra proyecta
sobre la roca una sombra con forma de corazón, clara referencia al
amor que Dalí siente hacia su musa y mujer.
El cómic expresa ideologías por medio de sus dibujos pero ¿que es lo que atrae del cómic?
Por cómic o historieta se entiende una narración que se vale de texto e imagen.
Las características principales del cómic son las viñetas en las que se reproduce la historia.
Como medio de expresión los comics tuvieron la oportunidad de valerse de aspectos mitológicos de culturas que no eran las propias, igual que la propia sociedad norteamericana donde se originó toda esta concepción del cómic, la idea de los superhéroes es un concepto totalmente "mestizo" que va reuniendo diferentes mitos y leyendas.
El cuerpo en el cómic es enfatizado por medio de la perfección corporal. Esta forma crea un mundo en el que lo imposible es posible y la aparición de seres extraordinarios es el punto primordial.
En los comics existen tramas donde los cuerpos de los personajes sufren transformaciones. Esto es más común en los villanos, de esta forma inican una lucha sin tregua contra el héroe. La perfección e imperfección se enfrentan obteniendo el cuerpo dos matices, uno es la perfección corporal del héroe, y la otra lo grotesco o deforme que puede llegar a ser el villano.
El manejo de los cuerpos es importante, la forma de visualización y el aspecto físico son ganchos visuales, que utilizan una idea de perfección corporal fuera del alcance humano, igual que las deformaciones.
Para hablar de la influencia del cómic en el arte podríamos hablar del Art Pop y Roy Lichetenstein y sus cuadros o las atrevidas piezas de Mark Chamberlain que muestra en sus cuadros a la famosa pareja de Batman y Robin en su no reconocida faceta gay.
Tras todas estas reflexiones podemos observar al cómic como parte influyente respecto al arte, existiendo una reciprocidad entre ambos.
Nombre: El color en el cómic y su aplicación al aula Autor: Claudio Rodríguez y Juan Béjar
V. KANDINSKY. De lo espiritual en el arte. Los efectos del color.
El color produce en el ser humano un efecto puramente físico y psicológico. En cuanto al efecto físico cabe destacar que nuestros ojos pueden llegar a quedar fascinados por las calidades y cualidades de los colores, llegando a producir situaciones de tristeza, alegría o placer. Los colores producen diversas reacciones en nosotros, así mismo se ha comprobado como los colores claros son los que atraen al ojo, siendo el bermellón el color más atractivo y excitante, el amarillo un color que produce "dolor a la vista" y el azul o verde el que más calma y profundidad nos transmite.
Si el efecto físico que producen los colores es importante, el psicológico lo es más debido a que se considera un mundo totalmente desconocido e inexplorado. Todavía no se ha demostrado si los efectos psicológicos producidos por el color son de manera directa o por asociación. Un claro ejemplo de ello es el color rojo, ya que puede llegar a producirnos situaciones tan diversas como vibración anímica, excitación o asociación con el dolor.
La asociación que se crea entre los colores y la vista puede incluso hacer engañoso algo que realmente no lo es, o simplemente modificar su realidad. Todos sabemos que "comemos por los ojos", estando demostrado que si una comida tiene un buen aspecto o los colores de sus ingredientes son llamativos nos atraerá mucho más para probarla.
De ese miso modo la marca de hamburguesas Mcdonals decidió cambiar el color rojo de su marca por el verde, debido a que las personas asociamos este color con la comida sana y los hábitos saludables.
Mi exposición va a estar centrada en la aplicación del color a los cómics europeos y la influencia que ello ha tenido, destacando Mortadelo y Filemón , Asterix y Obelix y Tintín entre otros.
Cada vez que ponemos la
televisión vemos una gran cantidad de anuncios, algunos de ellos con imágenes
sorprendentes de productos o artículos que con solo verlos nos entra una
necesidad, hasta ese momento desconocida, de tener ese producto.
Los anunciantes utilizan
una innumerable lista de técnicas para conseguir que nos fijemos en sus
anuncios. Pues bien, una de las técnicas que utilizan es la de la imagen, y la
consiguen haciendo atractivos los productos gracias al lenguaje visual. Dentro
de este lenguaje tenemos la “Retorica Visual”.
Esto no es ni más ni menos
que una herramienta de organización que se utiliza para conectar entre si los
distintos significados de los componentes visuales de un producto. Los juegos retóricos
y la retorica son muy utilizados en el lenguaje escrito, pero con el paso del
tiempo se ha visto que es una muy buena herramienta en publicidad, y cada vez
más en arte.
¿Para qué se utiliza? Con
la retórica visual se transmite un sentido distinto del que propiamente le
corresponde a cualquier elemento visual, con lo que a partir de algo cotidiano
y ya existente se puede crear algo completamente nuevo y sorprendente, con un
significado completamente distinto. A partir de este descubrimiento, se empezó
a estudiar más a fondo el uso de este sistema, ampliándolo más allá de lo
meramente comercial a lo artístico.
Del mismo modo que en el lenguaje oral y escrito, la
retórica visual funciona mediante múltiples figuras retóricas. Las más
importantes son estas:
Metáfora:
Cuando se sustituye un elemento de la imagen por otro según una relación de
semejanza de carácter arbitrario. Lo que se pretende es resaltar o embellecer
algún aspecto.
Calambur:
El calambur es un juego, o más bien en engaño visual explícito. Estas imágenes
parecen mostrar algo que realmente no existe. Engañan al ojo y le hacen
percibir efectos inexistentes.
Prosopopeya:
Esta es una de las figuras más utilizadas en publicidad. Consiste en otorgar a
objetos inanimados o animales valores humanos.
La
exageración o hipérbole: Consiste en exagerar de forma explícita algún elemento
de la imagen.
La elipsis: Consiste en eliminar algún elemento de la imagen con el fin de transformar su significado.
La línea es la absoluta antítesis del punto.
Elementos como la “tensión”, el movimiento”, la “dirección” o la “temperatura”
de una línea clasifican a la misma en varios tipos, como por ejemplo las líneas
verticales u horizontales. Esta clasificación resulta además muy útil para
distinguir elementos de tipo básico como son el punto y la línea.
LIRISMO Y DRAMATISMO
Las líneas pueden manifestar todo el lirismo que va desde la
calidez hasta la frialdad. Las líneas quebradas y los distintos ángulos indican
diferentes temperaturas. El ángulo recto es el más objetivo. El ángulo agudo el
más cálido. El ángulo obtuso tiende a la coloración azul. Dado que un ángulo
agudo puede en su desarrollo convertirse en un plano, las relaciones entre
línea-plano y color quedan claramente establecidas.
LÍNEAS Y CURVAS
Las curvas son una infinita posibilidad de movimiento de la
recta, por ejemplo la recta simple es desviada por la presión lateral
constante.
Además la recta y la curva son un par de líneas opuestas, siendo la
quebrada un ente intermedio entre ambas:
Ejemplos de curvas onduladas:
- Libres
- Geométricas
LÍNEAS Y RITMO:
Un
factor sonoro privativo de la línea está constituido por: La
conformación lisa, desgarrada, de las aristas exteriores de la línea, determina
la sensación táctil.
Líneas
combinadas: Los segmentos que la forman son:
a)
Combinada geométrica: Cuando las partes que la componen son geométricas.
b)
Combinada mixta: Cuando a las geometrías se le agregan otros libres.
c)
Combinada libre: Cuando los segmentos son todos libres.
El
ritmo: Algunos ejemplos simples del ritmo son:
Figura
59: Presenta repetición que tiene por objetivo un refuerzo.
Figura
60: Añade un refuerzo cualitativo, progresivamente mayores.
Figura
61: Este es más complicado, el ritmo es más complejo.
El plano básico es la superficie material sobre la que se plasma la obra. En las obras <<constructivistas>> destaca la aplicación enérgica de la línea y en la pintura abstracta coexisten las formas geométricas con las líneas libres.
La línea es la primera consecuencia natural del punto y es aprobada en la obra gráfica, sin embargo en la pintura no.
Los
efectos físicos y psicológicos producidos por el color son numerosos,
destacando la alegría y satisfacción que nos puede llegar a producir sus
calidades y cualidades. Su poder de atracción es tan grande que puede llegar a modificar
nuestras sensaciones, aceptando o rechazando algo en función de su color
predominante, creándose una extraña asociación entre la vista y los colores.
El Lenguaje de las Formas y los Colores
La
elección del objeto nace del principio de la necesidad interior (lo único
artístico y esencial), por lo que no hay nada absoluto.
El estilo personal y
temporal crea en cada época muchas formas concretas, subjetivas, que hace
comprensible lo objetivo, siendo en el arte todo cuestión de intuición.
Cayetana de Alba (Goya)
Siglo XVIII
Avignon (Picasso)
Siglo XXI
La Segunda Gran Antimonia
El color blanco: Nos trasmite claridad,
acercamiento.
El color negro: Nos trasmite oscuridad,
alejamiento.
El color amarillo: Nos transmite movimiento, fuerza.
El amarillo también inquieta al espectador, le molesta y descubre el matiz de
violencia.
El color azul: Nos trasmite alejamiento . El
enfriado con azul adquiere un torno enfermizo, locura furiosa, rabia ciega, el
delirio.
El verde: Absoluto no se mueve, no tiene
ninguna matiz ya sea de alegría, tristeza, pero puede resultar aburrida.
El rojo: Este es muy rico y diverso, nos
trasmite fuerza, energía, impulso, decisión, alegría, triunfo, etc.
El ser humano se siente conmovido por la repetición de sentimientos,
pensamientos y elementos artísticos. Partiendo de esta afirmación, y teniendo
en cuenta la necesidad interior, se ponen en valor las partes aisladas de la
obra artística. La ausencia de lo figurativo promueve el uso de otros elementos gráficos y pictóricos.
Teoría
El uso del color y la forma es más bien inconsciente. La belleza del color y de la forma no es un objetivo suficiente para el arte.
Es posible dividir un cuadro pero el espectador está demasiado acostumbrado a buscar la coherencia externa del mismo.
La obra del arte monumental constará de movimiento musical, pictórico y danza.
La Obra de Arte y el Arstista
La verdadera obra de arte
nace misteriosamente del artista por vía mística. El artista debe utilizar las
formas para sus fines, teniendo total libertad para escoger sus medios. El arte
es el lenguaje que habla el alma. El deber del artista es adecuar la forma al
contenido.
Epílogo
Las formas de las pinturas se dividen en dos grupos:
·La
composición simple o melódica
·La
composición compleja o sinfónica.
Entre estos dos grupos
existen formas de transición, en las que siempre hallamos el principio
melódico.
La exposición de la clase de hoy ha sido llevada a cabo por nuestros compañeros del grupo 3, habiendo desarrollado el tema "Aportaciones de la Educación Artística al desarrollo humano y al curriculum escolar".
En esta exposición hemos podido comprender la importancia que desempeña el arte y la asignatura de Educación Plástica en el curriculum escolar, ya que permite potenciar el desarrollo de la expresión, los sentimientos e ideas. Así mismo todos nosotros hemos recapacitado como futuros docentes, valorando si el área de Educación Artística está siendo tratada con eficacia actualmente en los Centros escolares y si el tiempo dedicado a la misma es el correcto, llegando por unanimidad a la conclusión de que se tiene que mejorar mucho en cuanto a contenidos, tiempo y formación.
Nuestros compañeros/as también han explicado las características del Método Waldrof, el Proyecto Cero y el Método Montessori.
- En cuanto al Método Montessori cabe destacar que el ambiente es el factor más importante en el desarrollo del niño y por ello debe ser lo más adecuado posible. Este método también se basa en educar en libertad de manera individualizada y respetuosa, potenciando el desarrollo creativo del niño a través de un nexo de unión con el adulto, siendo la ayuda del maestro fundamental ya que actúa como guía para ayudar al niño.
- El Proyecto Cero está basado en la creación de estudiantes independientes, basándose en explorar y enseñar para poder alcanzar la comprensión a través de la evaluación contínua.
- El Método Waldorf era bastante desconocido para nosotros hasta la explicación de hoy. Su principal característica es que los docentes enseñan a través de sus propios criterios y siempre tienen en cuenta la necesidad de los educandos, siendo éstos los que producen sus propios libros recopilando experiencias y aprendizajes de la vida cotidiana. En las escuelas Waldrof no hay directores ni jerarquías y el profesor es el principal responsable de la evolución de su clase, siendo el juego un elemento indispensable en la educación.
Hoy día 23 de abril, hemos comenzado las dos primeras horas
con presentaciones de trabajos en el que han tocado el tema 1: la Pintura, y el
tema 2: Códigos visuales y la importancia de la imagen.
La primera exposición, llamada La Pintura, ha comenzado explicando el hecho de mirar, así como también la invención de la cámara, ya que dió un cambio radical en
la forma de ver el arte y la imagen de la mujer, donde era dispar en relación con el
hombre y tenía que satisfacerlo
Además en la pintura aparece gente pobre pero realmente
feliz.
Sin embargo, según la imagen publicitaria se cree que por
poseer un objeto somos más felices por ese mismo modo debería ir cambiando.
Y finalmente nuestros compañeros han terminado su exposición
con la conclusión de lo importante que supone ir a visitar museos y
enseñándonos los vídeos realizados por ellos, donde nos ha resaltado
la gran variedad de perspectivas a la hora de realizar los vídeos siendo unos
más elaborados que otros y encontrándose su trabajo en la siguiente página
donde se encuentra su blog:
Y en cuanto al segundo grupo, llamado el tema “Códigos
visuales y la importancia de la imagen”de Umberto Eco, han comenzado alzando
una pregunta en general como ha sido: “¿Qué es la belleza?”, donde han surgido
una variedad de opiniones agradables de observar donde la mayoría estaba de
acuerdo en que un tipo de chica ideal es la número 2:
Después han estado explicando el concepto de bello, siendo
algo bueno, y diciendo que cuando algo nos parece bello queremos poseerlo, así
como la percepción de la belleza ha ido cambiando con el tiempo (ejemplo: mujer
voluminosa con mujer delgada).
Donde diferentes prototipos pueden consistir en la misma
época, así como también cada siglo tiene un rasgo que lo caracteriza.
Y finalmente han estado enseñando sus vídeos, y han
realizado 2 preguntas:
1º ¿Qué diferencias y semejanzas encontramos en la
publicidad actual y la del siglo XXI?
2º ¿Cuál es el ideal
de belleza del siglo XX?
Siendo el blog de nuestros compañeros/as donde se puede obtener más información éste:
